Домра Сведения о домре в России сохранились в старинных дворцовых записях и в лубочных картинках. Игроки на домре назывались домрачеями. Весьма вероятно, что домра, существующая до сих пор у калмыков (под названием домр), и у татар и киргизов (под названием домра, домбра, дунбура, думбра), была заимствована во времена монгольского ига (хотя у иных исследователей это вызывает сомнения, так как монголо-татары никогда не переселялись в русские земли). История домры трагична. В средневековой Руси она была основным инструментом народных музыкантов и актёров-скоморохов. Скоморохи ходили по сёлам и городам и устраивали весёлые представления, в которых часто позволяли себе небезобидные шутки над боярами и церковью. Это вызвало гнев как светских, так и церковных властей и в XVII веке их начали ссылать или казнить. Так же казнили и домру. Она исчезла. В XIX веке никто не знал о её существовании. Лишь в конце века руководитель первого оркестра народных инструментов музыкант-исследователь Василий Андреев проделал труднейшую кропотливую работу по восстановлению и усовершенствованию русских народных инструментов. Вместе с С.И.Налимовым они разработали конструкцию домры, опираясь на форму и конструкцию найденного Андреевым в 1896 году в Вятской губернии неизвестного инструмента с полусферическим корпусом. Историки до сих пор спорят о том, был ли найденный Андреевым инструмент действительно старинной домрой. Тем не менее, реконструированный в 1896 году инструмент получил название «домра». Круглый корпус, средней длины гриф, три струны, квартовый строй – так выглядела реконструированная домра. Позднее, благодаря ближайшему сподвижнику В.Андреева пианисту и композитору Николаю Петровичу Фомину, было создано семейство домр, которые вошли в состав русского оркестра - пикколо, малая, альтовая, басовая, контрабасовая. Для расширения диапазона домры предпринимались попытки её конструктивного совершенствования. В 1908 году по предложению дирижера Г. Любимова мастером С. Буровым была создана четырехструнная домра, с квинтовым строем. «Четырехструнка» получила скрипичный диапазон, но, к сожалению, уступала «трехструнке» в темброво-колористическом плане. Впоследствии также появились ее ансамблевые разновидности и оркестр четырехструнных домр. Сейчас инструмент пользуется популярностью в России и странах зарубежья, для него написаны многие произведения и переложения, в частности, от скрипки.
Малая домра состоит из трех частей: деревянного полусферического корпуса овальной формы, грифа (шейки) и головки. Корпус имеет кузов, деку, которая закрывает кузов сверху и окантовывается по краям обечайкой, кнопки для закрепления струн и нижний порожек, предохраняющий деку от давления натянутых струн. В середине деки находится круглое отверстие - голосник с фигурной розеткой. Над декой, около накладки грифа имеется навесной панцирь, защищающий при игре деку от царапин. Над струнами и нижним порожком иногда бывает укреплена подставка - подлокотник. Гриф вставлен в корпус и закреплен в нем. Сверху на гриф наклеена накладка, в месте соединения головки с шейкой грифа прикреплен верхний порожек. На накладку нанесены тонкие поперечные пропилы, в которые вставляются металлические порожки. Промежутки между металлическими порожками называются ладами. Порядковый счет их начинается от верхнего порожка. Лады II, V, VII, X, XII и XIX отмечены белыми кружочками. На головке грифа имеются колковые валики для закрепления струн. Их натяжение регулируется вращением колков. От расположения подставки и верхнего порожка зависит высота струн над грифом. Струны, слишком высоко приподнятые над грифом, затрудняют игру на инструменте, их трудно прижимать на ладах. На подставке и на верхнем порожке делаются углубления (прорези) для струн. Подставка устанавливается на деке в точно установленном месте.

Аккордеон История инструмента своими корнями уходит в середину 18 века. В основу инструмента положен принцип колебательного движения язычков под воздействием струи воздуха. Струя воздуха возникает под давлением при растягивании или сжимании меха. Начиналась история аккордеона с того, что было замечено свойство стекляных бокалов, которые звучали если прикоснуться пальцем к их краю. Звуки извлекались легкие, как бы неземные. Причём высота звучания зависела от высоты и ширины бокала, а также от толщины стенок. Около 1762 года изобретатель Б.Франклин на этой основе изобрёл первую гармонику. Она, на основании входящих в неё компонентов, получила название "Стекляная гармоника". Стеклянные бокалы, в результате усовершенствований, превратились в стеклянные полушария, подобранные по высоте звучания и насаженные на ось, которая вращалась при помощи педали. Таким образом можно было легко сыграть мелодию и даже аккорды. Годы создания стекляной гармоники пришлись как раз на то время, когда Моцарту было 6 лет, и за 8 лет до рождения Бетховена. Популярная всего несколько десятилетий, стеклянная гармоника использовалась не только Моцартом и Бетховеном, но и другими композиторами. Лишь почти через 60 лет (1821 г) в Берлине Ф.Бушман изобретает гармонику совершенно другого типа, которая имеет огромную популярность и в наши дни. Звук инструмента извлекался язычками свободно проскакивающими через отверстие в рамке.

Баян Арсенал музыкальных инструментов, которыми в наши дни пользуется человечество, — огромен. История одних уходит в глубокую древность, другие созданы сравнительно недавно. Ко второй группе относится и гармоника, хотя принцип звукообразования в ней — свободно проскакивающий металлический язычок, колеблющийся под действием струи воздуха, — был известен за две-три тысячи лет до нашей эры. В тот период в Юго-Восточной Азии бытовали различные инструменты, звук которых возникал от колебания металлического язычка. Мастер брал кусочек сплава и, расплющив его до толщины примерно 0,3 мм, вырезал тонким ножом в образовавшейся пластинке маленький язычок, фактически это был один из вариантов известного в народной инструментальной практике принципа надрезного язычка. Проем в тонкой пластинке (рамке), в которой проскакивал язычок под действием потока воздуха, был очень мал, а амплитуда колебания язычка незначительна, и инструмент звучал хотя и мелодично, но очень тихо. Поэтому во всех инструментах того времени употреблялись различные устройства для усиления звука. В России о принципе звукоизвлечения, основанном на колебании металлического язычка, знали еще до того, как он получил известность в Западной Европе. Бытовавшие в Юго-Восточной Азии инструменты типа кэна, шэна и им подобных проникали на Запад и через Россию. В 1770 году русский академик Якоб Штелин в подтверждение этого ссылался «на излюбленный китайский орган» — шэн, игре на котором обучал, например, русский мастер Иоганн Вильдe (1689 — 1762) Известный физик Христиан Готлиб Кратценштейн (1723 — 1795), впервые начавший проводить в 1770-е годы в Копенгагене эксперименты с проскакивающим язычком, с 1748 года в течение пяти лет работал в Российской академии наук; он, без сомнения, слышал Вильде и, следовательно, был знаком с шэном. Помогавший Кратценштейну органный мастер Киршник (1720 — 1799) в конце 1770-х годов построил маленький орган, внутри которого вместо обычных труб звучали проскакивающие язычки. В начале 1780-х годов он привез этот орган в Петербург. Однако в России изготовление подобных инструментов началось позднее. (Если не принимать во внимание возникший в начале XIX столетия язычковый инструмент под названием эолова арфа. Она устанавливалась на крыше, и в зависимости от силы и характера ветра в действие приводились те или иные ее язычки (тот же принцип устройства используется и сегодня в детских музыкальных волчках, но только с равномерным затиханием звуков). Описание инструмента помещено в «Санкт-Петербургских ведомостях» за 1804г. К середине XIX столетия в Германии, Франции, Австрии, Англии (в Италии и Америке значительно позднее) было уже налажено производство губных и ручных гармоник различных типов, которые «сделались инструментами народа; по преимуществу горняки, матросы, крестьяне и рабочие под аккомпанемент их гнусавых и заунывных звуков пели о «своих горестях и радостях». Дешевизна, прочность, сильный, громкий звук, а главное — портативность, сравнительная легкость воспроизведения мелодий песен и танцев привлекли к ним и русских любителей музыки. Начиная с 1830-х годов в России возникает отечественное производство гармоник. Не случайно главным местом этого производства становится промышленный центр России — Тула — «город умельцев», как его часто называли. В первой половине XIX века город жил кипучей производственной и торговой жизнью. Судя по архивным документам канцелярии тульского губернатора, туда нередко приезжали иностранные специалисты — инженеры, врачи, фармацевты, купцы вместе со слугами. Со своей стороны тульские промышленники, купцы, а также мастеровые часто выезжали из города по делам, связанным с производством и торговлей, и, естественно, проявляли большой интерес к многочисленным ярмаркам, устраиваемым в различных городах. В XVI — XVIII вв. одной из крупных была ярмарка при Макарьевском Желтоводском монастыре. С 1817 г. ее перенесли в Нижний Новгород. К концу 20-х годов XIX в. Нижегородская ярмарка приобрела важное значение для внутренней торговли России, играя существенную роль и в быстром развитии фабричной и кустарной промышленности. На ярмарках можно было узнать цены на те или иные товары, встретить всякого рода новинки, увидеть какую-либо диковинную «заморскую штуку». Стали появляться на ярмарках и гармоники — их привозили крепостные слуги, ездившие за границу, купцы, странствующие артисты, моряки. Гармоники поступали в Россию через Петербург, Ригу, Одессу и другие портовые города. В один из июльских дней 1830 года тульский оружейник Иван Сизов, будучи на Нижегородской ярмарке, услышал звуки невиданного инструмента (это была гармоника). Восхищенный мастер сторговал у заморского купца «диковинную штуку», не пожалев 40 рублей ассигнациями. Привезя домой — в Чулкову слободу на окраине Тулы — драгоценную покупку, Сизов решил попробовать сделать такую же. Изготовить все детали незатейливой игрушки, какой была на заре своего существования гармоника, для мастерового не представляло особого труда, разве что пришлось повозиться с голосовой частью да с настройкой. Так возникла первая тульская гармоника. «Старожилы в Туле рассказывали (в 1870 — 1871 годах.), что они помнят, как еще лет сорок тому назад услышали впервые веселые звуки гармоники...». В Туле нашлись люди, которые сразу же изготовили вначале для себя, а затем и для своих знакомых подобные инструменты. Постепенно это становится для них приработком, котором они занимаются в свободное время. Немного ранее, в 20-е годы, братья Шкунаевы стали делать металлические свистульки-свирельки, по принципу которых они затем многие годы изготовляли голосовые планки для гармоник. Спрос на гармоники все возрастал, производство их оказалось прибыльным, и некоторые мастера начали переходить целиком на изготовление этих инструментов. В работе стали принимать участие и члены семьи — так появились первые мастерские на дому. Кустари производили гармоники по образцу первой, привезенной Сизовым, — «в виде двух дощечек, между которыми была заключена игральная планка; звуки получались при посредстве вдувания... воздуха». . В дальнейшем производство гармоник в Туле шло по пути увеличения количества и улучшения качества. (В 1866 г. фабрика Грызловой (вдовы Грызлова) выпустила 6800 гармоник, Засыпкина — 8000, Колесникова — 8500, Воронцова — 12 700, Плакидиных — 21250. Стоимость одной гармоники колебалась от 26 коп. до 5 руб., а отдельные инструменты оценивались и в 10 руб.) Количество гармонных фабрик в Туле продолжало увеличиваться. По официальным данным в 1874 году их было уже полтора десятка. В примечании же к ведомости за этот год сказано, что «гармонное производство, господствующее в 4-и части г. Тулы (Чулковской слободе. — А.М.), далеко не ограничивается этими фабриками. За ними следуют менее значительные мастерские для сборки гармоний, коих известно до 20 с 85 рабочими, за исключением работающих своими семействами... В каждом доме Чулковского населения можно найти изделия той или другой части для состава гармоний... следовательно, этим изготовлением занимается не менее 3000 человек, преимущественно женщин. Гармонии выходят из Чулкова не менее 700 тысяч штук». По свидетельству исследователей развитию гармонного промысла «...много способствовало и то обстоятельство, что оно дает заработок не одному только полу или рабочему возрасту, участвовать в нем могут и женщины, даже девочки-подростки». Одновременно с увеличением спроса и развитием производства расширяется и распространение тульских гармоник. Тимофей Воронцов, один из первых организовавший изготовление гармоник, вскоре открывает на Нижегородской ярмарке постоянную торговлю русскими гармониками, которая пошла бойко, и мастерская при самоварной фабрике в Туле превратилась в самостоятельную гармонную фабрику, процветавшую долгие годы. В его магазинчике на ярмарке толпились бурлаки, странствующие мастеровые, ремесленники, торговцы, слуги — главные распространители нового музыкального инструмента по всей России. (Нижегородская ярмарка в то время проводилась ежегодно с 15 июля по 15 августа. В остальное время года продукция сбывалась в Туле, а с конца 40-х годов фабрика Воронцовых стала продавать свою продукцию (6000 гармоник ежегодно) еще и в Москве .) Согласно свидетельству многих современников, уже в 1840-х годах гармоника была известна не только в Тульской губернии, но и в Нижегородской, Тверской, Ярославской (например, в селе Давшино во время праздника жители танцевали на улице «вприпляску с балалайками, скрипками и гармониками») и в Петербургской (где крестьянки пляшут «под звуки гармоники, ими самими извлекаемыми»). Известна гармоника и в Вятской губернии, куда она была завезена еще в начале 40-х годов. бурлаками с Нижегородской ярмарки. Инструмент того времени мы видим на картине А. Г. Венецианова «Девушка с гармоникой» (масло, 40Х30, примерно 1844 г., автором картина не датирована, Горьковский государственный художественный музей), написанной им в имеиии Сафонкове Тверской губернии в начале 40-х годов. На картине девочка держит гармонику-пятиклапанку, имеющую на левой стороне два клапана (бас и аккорд, разные при смене движения меха: Т и D). Круглые отверстия на правой стороне закрыты металлическими клапанами, которые соединены с деревянными клавишами медной проволокой. За правым грифом ременное ушко для большого пальца. На этой гармонике можно было играть несложные мелодии с аккомпанементом. Художника привлек, разумеется, образ девочки, забавляющейся новым подарком; гармоника была деталью второстепенной. Девочка держит гармонику «вверх ногами»; и перевернута она, по-видимому, для того, чтобы была видна правая клавиатура. Художник-реалист, верный своему творческому методу, воспроизвел гармонику во всех деталях с фотографической точностью. Появляются первые исполнители на гармониках перед публикой. В газетах мы находим сообщение о выступлениях в городском театре города Белева (Тульской губернии), примерно в 1845 году, талантливого туляка — актера Дробикова, который давал «на гармонике концерты, и его слушали с большим удовольствием... Дробиков... такие из нее извлекал звуки, что издали трудно было понять, на каком инструменте он играл». С самого начала своего существования гармоника стала развиваться одновременно по двум направлениям: как инструмент для массовой забавы, выпускаемый в огромных количествах, и как инструмент для музыкального исполнения, изготовляемый обычно на заказ и с каждой новой моделью совершенствующийся. Первая категория служила материальной основой гармонного промысла, вторая — стимулировала эволюцию гармоники как музыкального инструмента. С возникновением производства гармоник кустарные домашние мастерские и фабрики вырабатывали почти исключительно так называемые детские гармоники, имевшие до 5 клапанов и только на правой стороне. Стоимость их была 15 — 25 копеек. Производились и гудочки — гармошки без клапанов, издававшие один-два звука — детская игрушка, встречавшаяся многие годы на рынках и ярмарках. Эти гармошки, дававшие хороший доход, были грубой, яркой отделки и очень примитивного устройства, мех делался наподобие бумажных гофрированных фонариков. Но многие профессиональные исполнители были недовольны простотой инструмента, поэтому появилась "хромка" в 1870 году в том же самом городе мастеров - Туле. Строй ее по-прежнему был диатонический (в определённой тональности, например, в до-мажоре). Но для расширения круга тональностей в верхней части ее клавиатуры стали добавлять два-три хроматических звука. Так "хромка" стала почти хроматической. "Хромка" фактически сделала ненужными местные настройки, потому что на ней можно было сыграть любой местный наигрыш . Ее называли ещё "двухрядкой" за то, что кнопки в правой руке были расположены в два ряда, чтобы всё было, как говорят, под пальцами. Но и "двухрядка" тоже не нравилась некоторым - один из них Орланский-Титаренко. Орланский-Титаренко хотел играть не на гармошке а на чём то лучше её и его поиски привили его к Стерлигову. Виртуоз заказал у мастера инструмент его мечты и он согласился сделать его. И Стерлигов сделал заказ. Орланский-Титаренко и Стерлигов наслаждались звучанием инструмента. И они назвали его - баяном (в честь древне-русского певца и сказателя баяна). В 50—60-е года 20 века появляется новое поколение баянистов, чье творчество поднимает искусство игры на баяне на новую художественную высоту. Это Ю. Казаков, А. Беляев, В. Бесфамильнов, В. Галкин, Э. Митченко, А. Полетаев. Юрия Ивановича Казакова заслуженно называют артистом-первооткрывателем. Именно благодаря его творческой фантазии появился на свет качественно новый многотембровый готово-выборный баян. С концертов Казакова началось интенсивное развитие академической сферы в жанре сольного исполнительства на баяне. Наконец, Казаков положил начало триумфальному шествию русского баяна по всей планете. И глубоко закономерно, что именно этот музыкант первым из советских баянистов был удостоен почетного звания народного артиста СССР.

Балалайка Корпус склеен из отдельных (6-7) сегментов, головка длинного грифа слегка отогнута назад. Струны металлические (В XVIII веке две из них жильные; у современных балалаек — нейлоновые или карбоновые). На грифе современной балалайки 16—31 металлических ладов (до конца XIX века — 5—7 навязных ладов). Звук звонкий, но мягкий. Наиболее частые приемы для извлечения звука: бряцание, пиццикато, двойное пиццикато, одинарное пиццикато, вибрато, тремоло, дроби, гитарные приемы.
Строй
До превращения балалайки в концертный инструмент в конце XIX века Василием Андреевым, она не имела постоянного, повсеместно распространённого строя. Каждый исполнитель настраивал инструмент сообраазно своей манере исполнения, общему настроению играемых произведений и местным традициям. Введённый Андреевым строй (две струны в унисон — нота «ми», одна — на кварту выше — нота «ля») получил широкое распространение у концертирующих балалаечников и стал называться «академическим». Существует также «народный» строй — первая струна «соль», вторая — «ми», третья — «до». При этом строе проще берутся трезвучия, недостатком его является затрудненность игры по открытым струнам. Помимо указанного существуют и региональные традиции настройки инструмента. Число редких "местных" настроек достигает двух десятков. Распространённость Балалайка является достаточно распространённым музыкальным инструментом, который изучается в академических музыкальных учебных заведениях России, Белоруссии, Украины и Казахстана. Срок обучение балалайке в музыкальной школе составляет 5 лет. Основной репертуар - обработки народных песен и (реже) классических произведений
История
Однозначной точки зрения на время возникновения балалайки не существует. Вильгельм Амандус Бер. Мальчик, играющий на балалайке (1889)Условно считается, что балалайка получает распространение с начала XVIII века; в 1880-х годах усовершенствуется В. В. Андреевым совместно с мастерами Пасербским и Налимовым. Создано семейство модернизованных балалаек — прима, секунда, альт, бас, контрабас. Балалайка используется как сольный концертный, ансамблевый и оркестровый инструмент.

Цимбалы (лат. Cymbalum, греч. - кимвал) струнный ударный и щипковый музыкальный инструмент. Имеет плоский деревянный корпус трапециевидной формы, 2-5-хорные металлические (ныне стальные) струны, часть которых делится передвижной подставкой на два неравных отрезка (в пропорции 2:3, часто в соотношении квинты). Строй народных цимбал - диатонический, усовершенствованных - хроматический. Диапазон - Е-e3. Для игры цимбалы устанавливаются на столе, на коленях, либо подвешиваются на ремне через плечо. Играют на цимбалах, ударяя двумя деревянными палочками, крючками (изготавливаются кустарным способом) или молотками, а также при помощи щипка, приглушают струны предплечьем. Цимбалы обладают ярким, долго не затухающим звуком. Цимбалы - многонациональный инструмент. Имеет распространение в Украине, Белоруссии (цымбалы, цымбалки, цынбалы, самбалошки), а также (аналогичной конструкции) в Молдавии (цамбал), Армении (сантур), Грузии (сантури, цинцила), Узбекистане (чанг) и др. В Западной Европе известны под названием хакбретт (нем. Hackbrett) и дульцимер (англ. Dulcimer).

Гитара  струнный музыкальный инструмент, один из самых распространённых в мире. Применяется в качестве аккомпанирующего инструмента во многих музыкальных стилях, а также как сольный классический инструмент. Является основным инструментом в таких стилях музыки, как блюз, кантри, фламенко, рок-музыка и многих формах популярной музыки. Изобретённая в XX веке электрическая гитара оказала сильное воздействие на массовую культуру. Исполнитель музыки на гитаре называется гитарист. Человек, изготовляющий и ремонтирующий гитары, называется гитарный мастер или лютье.
Самые ранние сохранившиеся свидетельства о струнных инструментах с резонирующим корпусом и шейкой, предках современной гитары, относятся к III тысячелетию до н. э. Изображения киннора (шумеро-вавилонский струнный инструмент, упоминается в библейских сказаниях) найдены на глиняных барельефах при археологических раскопках в Месопотамии. В древнем Египте и Индии также были известны похожие инструменты: набла, нефер, цитра в Египте, вина и ситар в Индии. В древней Греции и Риме был популярен инструмент кифара. Предшественники гитары имели продолговатый округлый пустотелый резонирующий корпус и длинную шейку с натянутыми на ней струнами. Корпус изготавливался цельным — из высушенной тыквы, панциря черепахи, либо выдолбленным из цельного куска дерева. В III-IV веках н. э. в Китае появляются инструменты жуань (или юань) и юэцинь, у которых деревянный корпус собирался из верхней и нижней деки и соединяющей их обечайки. В Европе это вызвало появление латинской и мавританской гитар около VI века. Позже, в XV — XVI веках появился инструмент виуэла, также оказавший влияние на формирование конструкции современной гитары.

Скрипка Смычковые инструменты были известны очень давно, но все же они значительно моложе щипковых. Ни время, ни место появления смычка точно не определены. В древней Греции смычка еще не было. Можно считать, что родиной смычковых инструментов была Индия первых веков нашей эры. Из Индии смычковые инструменты попали к персам, арабам, народам Северной Африки, а оттуда в восьмом веке пришли в Европу. Было несколько разновидностей смычковых – и примитивных, и более сложных. Предположительно непосредственной предшественницей скрипки была так называемая лира да браччо, ведущая происхождение от старинных виол. Подобно скрипке, этот инструмент держали у плеча (итальянское braccio – плечо), приемы игры также были схожи со скрипичными. Точная дата рождения непосредственно самой скрипки неизвестна, но приблизительно можно судить о времени ее возникновения – это кон. 15 – нач. 16 вв. Самые первые скрипки делали те же мастера, что и лютни, и виолы. Один из них, Гаспаро Бертолотти, поселился в 1562 году в итальянском городке Бреши и работал там до конца своих дней. У Бертолотти было много учеников, и среди них – Джованни Паоло Маджини, который основал потом собственную школу мастеров. Бертолотти, Маджини и их ученики уже пришли в основном к той форме скрипки, которую мы знаем. Примерно в то же время в городе Кремон также образовалась своя школа по изготовлению скрипок, основателем которой стал Андреа Амати – дед знаменитого Николо Амати. Кремонская школа стала как бы продолжением дела Брешианцев. Кремонцы уточнили конструкцию скрипки, а форму довели до поразительно изящной. Многие поколения мастеров работали над совершенствованием, улучшением звуковых качеств скрипки. До нас дошли имена великих, до сих пор считающихся непревзойденными, мастеров кон. 17 – нач. 18 вв.: Амати, Гварнери, Страдивари. Последние два восприняли от Николо Амати его школу конструирования инструмента. Историю скрипки обогатили не только мастера, но и исполнители, композиторы, педагоги.

Виолончель (итал. violoncello, сокращённо. cello, нем. Violoncello, фр. violoncelle, англ. cello) — смычковый струнный инструмент басового и тенорового регистра, известный с первой половины XVI века Виолончель имеет такое же строение, что и скрипка, однако значительно больших размеров. На виолончели играют сидя, ставя её перед собой и упирая в пол особой ножкой с остриём (шпилем). История запомнила двух мастеров, особенно прославившихся производством виолончелей. Это - Гаспаро да Сало и Паоло Маджини. Они жили на рубеже ХVI - ХVII столетия и первому из них народная молва приписывала честь «изобретения» современной скрипки с четырьмя струнами, настроениями квинтами, усовершенствование violone, или контрабаса виолы и наконец, создание виолончели. Первые мастера, строившие виолончели не совсем еще ясно представляли тот верный путь в развитии современной виолончели, который был завершен вполне, лишь Антонио Страдивари. Что представляет собой современная виолончель и на что она способна в оркестре? - Этот инструмент, также, как и все прочие представители семейства смычковых инструментов, имеет четыре струны, настроенные бинтами. Они звучат октавой ниже альта и дают Do и Sol большой октавы и Re и La малой. Благодаря этому объем виолончели очень велик, а характер его звучания чрезвычайно разнообразен. Каждая струна виолончели имеет свою собственную окраску звука, свойственную ей одной Низкий регистр виолончели соответствует низкому мужскому голосу bassa profundo и обладает большой полнотой звука. Этот отрезок звукоряда виолончели очень хорош в музыке мрачной, таинственной и драматичной. В техническом отношении виолончель является пости совершенным инструментом. Ей доступны все технические тонкости, свойственные скрипке и альту, но для своего воспроизведения они, как правило требуют большей затраты труда. Словом техника виолончели сложнее скрипичной хотя и столь же блестяща. С первых дней появления виолончели в оркестре и на протяжении целых столетий положение ее там было крайне незавидным, никто из современников тогда даже и не догадывался о богатейших художественно - исполнительских возможностях виолончелей. Даже в те времена, когда музыка резко двинулась вперед, обязанности виолончели оставались столь же скромными и даже убогими. Такой великий мастер оркестра, как Иоган-Себастьян Бах ни разу не поручил виолончели певучей партии, в которой она могла бы блеснуть своими качествами. Бетховен был несомненно первым композитором - классиком, определившим истинное достоинство виолончели и поставившим ее, на то место в оркестре, какое ей подобает по праву. Несколько позднее, романтики - Вебэр и Мэндельсон - еще более углубили выразительные средства виолончели в оркестре. Им понадобилась уже звучность таинственная, фантастичная и возбужденная, и они, найдя ее в звуках виолончели, воспользовались ею достойнейшим образом. Вполне справедливо будет заметить, что в настоящее время все композиторы глубоко ценят виолончель - ее теплоту, искренность и глубину звучания, а ее исполнительские качества давно уже покорили сердца как самих музыкантов, так и их восторженных слушателей. После скрипки и фортепиано, виолончель является, наиболее любимым инструментом, к которому обращали свои взоры композиторы, посвящая ей свои произведения, предназначенные для исполнения в концертах с сопровождением оркестра или фортепиано. Особенно богато использовал виолончель Чайковский в своих произведениях, Вариациях на тему Рококо, где представил виолончели такие права, что сделал это свое небольшое произведение достойным украшением всех концертных программ, требуя от исполнения подлинного совершенства в умении владеть своим инструментом. Наибольшим успехом у слушателей пользуется, пожалуй, концерт Сэн-Санса, и к сожалению редко исполняемый тройной концерт для фортепиано, скрипки и виолончели Бетховена. К числу любимых, но также довольно редко исполняемых, следует отнести Виолончельные концерты Шумана и Дворжака. Теперь, чтобы полностью. Исчерпать весь состав смычковых инструментов, принятых сейчас в симфоническом оркестре, остается «сказать» лишь несколько слов о контрабасе. Подлинная «басовая» или «контрабасовая виола» располагала шестью струнами и, по свидетельству Мишэля Коррэтта - автора известной в свое время «Школы для контрабаса», напечатанной им во второй половине ХVIII столетия, - называлась итальянцами «violone». Тогда контрабас был все еще настолько большой редкостью, что даже в 1750 году Парижская опера располагала только одним инструментом. На что же способен современный оркестровый контрабас? В техническом отношении контрабас пора уже признать вполне совершенным инструментом. Контрабасам поручаются вполне виртуозные партии, выполняемые ими с подлинной артистичностью и мастерством. Бетховен в своей пасторальной симфонии, клокочущими звуками контрабаса очень удачно подражает вою ветра, раскатом грома и вообще создает полное ощущение разбушевавшейся стихии во время грозы. В камерной музыке обязанности контрабаса чаще всего ограничиваются поддержкой басовой партии. Таковы в общих чертах художественно- исполнительские возможности участников «струнной группы». Но в современном симфоническом оркестре «смычковый квинтет» часто применяется как «оркестр в оркестре».

Контрабас

Флейта Современная оркестровая флейта — духовой инструмент, изготовляемый в настоящее время из специальных металлических сплавов. Состоит из цилиндрической трубки, открытой внизу и имеющей боковое небольшое отверстие в верхней конечной части. В это боковое отверстие вдувается воздух, и на этом же отверстии происходит рассекание потока воздуха острой кромкой. Играющий держит флейту горизонтально, отчего она и называется поперечной. Трубка флейты имеет 16 или более отверстий которые закрываются клапанами. Оркестровая флейта имеет диапазон в три октавы начиная от си малой октавы или до первой октавы (для инструментов с коленом до). Низкий регистр флейты слаб, но имеет мягкий, бархатистый звук; средний и особенно верхний регистры сильнее. Партия флейты записывается в ключе соль.

Кларнет был изобретён в конце XVII — начале XVIII столетия (некоторые справочники указывают в качестве года изобретения кларнета 1690, другие исследователи оспаривают эту дату и указывают, что первые упоминания о кларнете датированы 1710 годом) нюрнбергским музыкальным мастером Иоганном Христофом Деннером (1655—1707), работавшим в то время над улучшением конструкции старинного французского духового инструмента — шалюмо (фр. chalumeau). Основным нововведением, позволяющим чётко провести различие между шалюмо и кларнетом, явился клапан на обратной стороне инструмента, управляемый с помощью большого пальца левой руки и помогающий переходу во вторую октаву. В этом регистре звучание первых образцов нового инструмента (первоначально называвшегося просто «усовершенствованная шалюмо») напоминали тембр употреблявшейся в то время трубы, называвшейся «кларино» (clarino), название которой, в свою очередь, произошло от лат. clarus — «ясный» (звук). Эта труба дала своё название сначала регистру, а затем и всему инструменту clarinetto (итальянское название кларнета) буквально означает «маленькая clarino». В течение некоторого времени шалюмо и кларнет употреблялись на равных, однако уже во второй четверти XVIII века шалюмо практически исчезает из музыкальной практики. Дело Деннера продолжил его сын Якоб (1681—1735), три инструмента его работы хранятся в музеях Нюрнберга, Берлина и Брюсселя. Все эти кларнеты имели по два клапана. Инструменты такой конструкции были весьма распространёнными вплоть до XIX века, однако австрийский мастер Паур около 1760 года добавил к уже существовавшим двум клапанам третий, бельгийский мастер Роттенбург — четвёртый, англичанин Джон Хэйл в 1785 году — пятый, наконец, знаменитый французский кларнетист и композитор Жан-Ксавье Лефевр около 1790 года создал классическую модель кларнета с шестью клапанами.
«Немецкие» кларнеты Четвертитоновый кларнет Фрица Шюллера (1933 год)Совершенствование кларнета продолжилось и в XIX веке: профессор Парижской Консерватории Гиацинт Клозе и музыкальный мастер Луи-Огюст Бюффе (брат основателя фирмы «Buffet-Crampon» Дени Бюффе) успешно приспособили к кларнету систему кольцевых клапанов, изобретённую флейтистом мюнхенской Придворной капеллы Теобальдом Бёмом и первоначально применявшуюся только на флейте. Эта модель получила название «кларнет Бёма» или «французский кларнет». Среди других выдающихся мастеров, принявших участие в дальнейшем улучшении конструкции кларнета, можно назвать Адольфа Сакса (изобретателя саксофона и широкомензурных медных духовых инструментов) и Эжена Альбера. В Германии и Австрии получили распространение так называемые «немецкие» и «австрийские» кларнеты, ведущие своё происхождение от инструмента с системой клапанов, сконструированной Иоганном Георгом Оттенштайнером (1815—1879) совместно с кларнетистом Карлом Берманом, который выпустил «Школу игры на кларнете» для этой системы. В 1900-х гг. берлинский мастер Оскар Элер (нем. Oehler; 1858—1936) внёс в неё небольшие усовершенствования. Традиционно такую систему называют именно «системой Элера». Механизм немецкого кларнета отличается от французского и менее приспособлен для беглой виртуозной игры. Мундштуки и трости этих кларнетов также делаются по технологии, отличающейся от французской. Считается, однако, что инструменты немецкой системы обеспечивают бо?льшую выразительность и силу звука. В течение достаточно долгого периода кларнеты немецкой системы были широко распространены по всему миру, однако приблизительно с 1950-х годов начался переход музыкантов на кларнеты французской системы, и сейчас на немецких кларнетах играют в основном только австрийские, немецкие и голландские, а также, сохраняя дань традиции — некоторые российские кларнетисты. Помимо систем Бёма и Элера, существует ещё несколько вариантов расположения клапанов на инструменте, в частности, в начале XX века фирма «Selmer» выпускала «кларнеты Альбера» (напоминавшие по строению инструменты середины XIX века), а в 1960-70-х годах — «кларнеты Марки». Диапазон последних мог быть расширен вверх на октаву. Тем не менее, широкого распространения эти инструменты не получили. Среди экспериментальных образцов разных конструкторов нужно отметить четвертитоновый кларнет Фрица Шюллера, предназначавшийся для исполнения современной музыки. Современный кларнет представляет собой достаточно технически сложный механизм. Инструмент имеет около 20 клапанов, множество осей, рессор, тяг и винтов. Ведущие фирмы-изготовители музыкальных инструментов постоянно совершенствуют конструкцию кларнета и создают новые модели.
В симфоническом оркестре используется обычно два или три гобоя. Партии английского рожка или гобоя д’амур (если таковые предусмотрены) исполняются одним из гобоистов. Изредка используется гобой-пикколо (например, во Втором концерте Бруно Мадерны). Традиционно по ноте «ля» первой октавы, исполняемой гобоем, настраивается весь симфонический оркестр. Считается, что звук гобоя наименее подвержен расстраиванию (благодаря небольшим размерам звукообразующего элемента — трости, и малой возможности «подстроить» инструмент — выдвигание трости лишь незначительно сказывается на интонации)
Гобой  (от фр. hautbois, буквально «высокое дерево», англ. , нем. и итал. oboe) — деревянный духовой музыкальный инструмент сопранового регистра, представляющий собой трубку конической формы с системой клапанов и двойной тростью (язычком). Современный вид гобой приобрёл в первой половине XVIII века. Инструмент обладает певучим, однако несколько гнусавым, а в верхнем регистре — резким тембром. Инструменты, считающиеся прямыми предшественниками современного гобоя, известны с античности и сохранились в первозданном виде в разных культурах. Народные инструменты, такие как бомбарда, волынка, дудук, гайта, хитирики, зурна вместе с инструментами Нового времени (мюзетт, собственно гобой, гобой д’амур, английский рожок, баритоновый гобой, барочный гобой) составляют обширное семейство этого инструмента. Гобой используется в качестве сольного инструмента, в камерной музыке и симфоническом оркестре. Основу репертуара для гобоя составляют произведения эпохи барокко (сочинения Баха и его современников) и классицизма (Моцарт). Реже исполняются сочинения композиторов-романтиков (Шумана) и современных композиторов. К концу XVIII века кларнет становится полноправным инструментом классической музыки. Появляются виртуозные исполнители, улучшающие не только технику исполнения на кларнете, но и его конструкцию. Среди них следует отметить Ивана Мюллера, который изменил конструкцию мундштука, чем значительно повлиял на тембр, упростил передувание и расширил диапазон инструмента, по сути, создав его новую модель. С этого времени начинается «золотой век» кларнета.

Фагот (итал. fagotto, букв. «узел, пучок, вязанка дров», нем. Fagott, фр. basson, англ. bassoon) — деревянный духовой инструмент басового, тенорового и частично альтового регистра. Имеет вид согнутой длинной трубки с системой клапанов и двойной (как у гобоя) тростью, которая надевается на металлическую трубку («эс») в форме буквы S, соединяющую трость с основным корпусом инструмента. В разобранном виде напоминает вязанку дров (отсюда и получил своё название). Фагот сконструирован в XVI веке в Италии, в оркестре применяется с конца XVII — начала XVIII века, занял в нём постоянное место к концу XVIII века. Тембр фагота весьма экспрессивен и на всём диапазоне богат обертонами. Наиболее употребительны нижний и средний регистр инструмента, верхние ноты звучат несколько гнусаво и сдавленно. Фагот применяется в симфоническом, реже в духовом оркестре, а также как сольный и ансамблевый инструмент.
Появление фагота относится к первой половине XVI века. Непосредственным его предшественником был старинный духовой инструмент под названием «бомбарда». В отличие от неё, фагот для удобства изготовления и переноски был разделён на несколько частей. Изменение конструкции благотворно повлияло на тембр инструмента, что отразилось в его названии - на первых порах его называли «дульцианом» (от итал. dolce - «нежный, сладкий»).

Труба (итал. tromba, фр. trompette, нем. Trompete, англ. trumpet) — медный духовой музыкальный инструмент альтово-сопранового регистра, самый высокий по звучанию среди медных духовых. В качестве сигнального инструмента натуральная труба использовалась с древнейших времён, примерно с XVII века вошла в состав оркестра. С изобретением механизма вентилей труба получила полный хроматический звукоряд и с середины XIX века стала полноценным инструментом классической музыки. Инструмент обладает ярким, блестящим тембром, используется как сольный инструмент, в симфоническом и духовом оркестрах, а также в джазе и других жанрах.
Трубы делают из латуни или меди, реже — из серебра и других металлов. Уже в античности существовала технология изготовления инструмента из одного цельного листа металла. По сути своей труба представляет длинную трубку, которая изгибается исключительно для компактности. Она слегка сужается у мундштука, расширяется у раструба, а на остальных участках имеет цилиндрическую форму[2]. Именно такая форма трубки придаёт трубе её яркий тембр. При изготовлении трубы важен предельно точный расчёт как длины самой трубки, так и степени расширения раструба — это кардинальным образом влияет на строй инструмента. Основным принципом игры на трубе является получение гармонических созвуков путём смены положения губ и изменение длины столба воздуха в инструменте, достигаемое с помощью механизма вентилей. На трубе применяется три вентиля, понижающих звук на тон, полтона и полтора тона. Одновременное нажатие двух или трёх вентилей даёт возможность понизить общий строй инструмента до трёх тонов. Таким образом, труба получает хроматический звукоряд. На некоторых разновидностях трубы (например, на трубе-пикколо) есть также четвёртый вентиль (квартвентиль), понижающий строй на чистую кварту (пять полутонов). Труба — правосторонний инструмент: при игре вентили нажимают правой рукой, левая рука поддерживает инструмент.
Тромбон (итал. trombone, букв. «большая труба», англ. и фр. trombone, нем. Posaune) — медный духовой музыкальный инструмент басово-тенорового регистра. Тромбон известен с XV века. От других медных духовых инструментов отличается наличием кулисы — особой передвижной U-образной трубки, с помощью которой музыкант изменяет объём заключённого в инструменте воздуха, таким образом, достигая возможности исполнять звуки хроматического звукоряда (на трубе, валторне и тубе этой цели служат вентили). Тромбон — нетранспонирующий инструмент, поэтому его ноты всегда записываются в соответствии с действительным звучанием. На некоторых тромбонах имеются добавочные кроны, позволяющие понижать звуки на кварту и на квинту, которые подключаются с помощью квартвентиля и квинтвентиля. Инструмент существует в нескольких разновидностях, образующих семейство. В наше время в основном используется основной представитель семейства — теноровый тромбон. Как правило, под словом «тромбон» подразумевается именно эта разновидность, поэтому часто слово «теноровый» опускают. Альтовый и басовый тромбоны применяются реже, сопрановый и контрабасовый — почти не используются. Диапазон тромбона — от G1 (соль контроктавы) до f2 (фа второй октавы) с пропуском звуков между B1 и E (си-бемоль контроктавы — ми большой октавы). Этот промежуток (кроме ноты H1, то есть си контроктавы) заполняется при наличии квартвентиля. Тромбон — разнообразный по штрихам и технически подвижный инструмент, обладает ярким, блестящим тембром в среднем и верхнем регистрах, сумрачным — в нижнем. На тромбоне возможно использование сурдины, особый эффект — глиссандо — достигается скольжением кулисы. В симфоническом оркестре обычно используются три тромбона (два теноровых и один басовый). Основная сфера применения тромбона — симфонический оркестр, но он также используется в качестве солирующего инструмента, а также в духовом оркестре, джазе и других музыкальных жанрах, в частности, в Ска-панке, где занимает ведущее положение среди духовых.
Появление тромбона относится к XV веку. Принято считать, что непосредственными предшественниками этого инструмента были кулисные трубы, при игре на которых у музыканта была возможность передвигать трубку инструмента, таким образом получая хроматический звукоряд. За время своего существования тромбон практически не претерпел радикальных изменений в своей конструкции.
Сакбут (гравюра)
Первые инструменты, по сути представлявшие собой тромбоны, назывались сакбутами (от фр. saquer — тянуть к себе, bouter — толкать от себя). Они были меньше современных инструментов по размеру и имели несколько разновидностей по регистрам: сопрано, альт, тенор и бас. Сакбуты благодаря хроматическому звукоряду сразу стали постоянными членами оркестров. Небольшие усовершенствования сакбутов привели к появлению в XVII веке практически современных инструментов, к которым в это время уже стало применяться итальянское слово trombone. В XIX веке предпринимались попытки приспособить к тромбону систему вентилей наподобие механизма трубы и валторны, однако это нововведение не получило распространения из-за того, что такие инструменты, хотя и выигрывали в технической подвижности, значительно теряли в звучании. В 1839 году лейпцигский музыкальный мастер Кристан Затлер изобрёл квартвентиль, позволивший понижать звуки тромбона на кварту, что позволило извлекать звуки из так называемой «мёртвой зоны» (отрезок звукоряда, недоступный из-за конструктивных особенностей тромбона). Происходит развитие и укрепление позиций инструмента в оркестре, сольном и ансамблевом музицировании, появляются виртуозные сольные исполнители высокого класса. Композиторы создают для тромбона ряд сочинений, которые впоследствии становятся классикой репертуара — Романс Вебера, обнаруженный спустя много лет после смерти композитора, Концерт для тромбона с духовым оркестром Римского-Корсакова, Концертино Давида и другие. Во второй половине столетия формируются мощные, по сравнению с прошлым, мануфактуры по производству инструментов — Holton, Conn, King — в США, Heckel, Zimmerman, Besson, Courtois — в Европе. Выходят из практики некоторые разновидности тромбона, например, альтовый и контрабасовый. В XX веке, благодаря развитию исполнительской школы и совершенствованию технологий производства инструментов, тромбон стал весьма популярным инструментом. Композиторы создают для него многочисленную концертную литературу, значительное место тромбон занимает в джазе, а также ска, фанке и других жанрах. С конца 1980-х годов происходит возрождение интереса к старинным тромбонам (сакбутам) и вышедшим из употребления разновидностям тромбона.

Валторна (от нем. Waldhorn — «лесной рог», итал. corno, англ. french horn, фр. cor) — медный духовой музыкальный инструмент басово-тенорового регистра. Произошла от охотничьего сигнального рога, в оркестр вошла в середине XVII века. До 1830-х годов, подобно другим медным инструментам, не имела вентилей и была натуральным инструментом с ограниченным звукорядом. Валторна используется в симфоническом и духовом оркестрах, а также как ансамблевый и сольный инструмент. В настоящее время применяется главным образом in F (в строе Фа), в духовых оркестрах также in Es (в строе Ми-бемоль). Диапазон валторны по действительному звучанию — от H1 (си контроктавы) до f2 (фа второй октавы) со всеми промежуточными звуками по хроматическому звукоряду. Ноты для валторны пишутся в скрипичном ключе на квинту выше действительного звучания и в басовом — на кварту ниже действительного звучания без ключевых знаков. Тембр инструмента несколько грубоватый в нижнем регистре, мягкий и певучий на пиано, светлый и яркий на форте — в среднем и верхнем.

Саксофон (фр. saxophone, итал. sassofono, нем. Saxophon) — духовой музыкальный инструмент, по принципу звукоизвлечения принадлежащий к семейству деревянных, несмотря на то, что никогда не изготавливался из дерева. Семейство саксофонов сконструировано в 1842 году бельгийским музыкальным мастером Адольфом Саксом и запатентовано им четыре года спустя. С середины XIX века саксофон используется в духовом оркестре, реже — в симфоническом, также в качестве солирующего инструмента в сопровождении оркестра (ансамбля). Является одним из основных инструментов джаза и родственных ему жанров, а также эстрадной музыки. Инструмент обладает полным и мощным звучанием, певучим тембром и большой технической подвижностью.

Туба (итал. из латинского tuba — «труба», англ. tuba, нем. Tuba, фр. tube) — широкомензурный медный духовой музыкальный инструмент, самый низкий по регистру. Современная модель инструмента была сконструирована во второй четверти XIX века Адольфом Саксом. Туба обладает суровым, массивным тембром, звук тубы трудно интонируемый. Используется в основном в симфоническом оркестре, где ей принадлежит роль басового инструмента в группе медных духовых. Активно используется в духовых оркестрах, сравнительно реже в различных джазовых и эстрадных оркестрах и ансамблях. В качестве сольного инструмента туба выступает сравнительно редко.
Первоначально в качестве основного басового инструмента использовался серпент, однако он не давал медной группе хорошего и устойчивого баса. Первые попытки создать новый медный духовой инструмент низкого регистра взамен серпента относятся ко второй четверти XIX века. В 1835 году немецкие мастера музыкальных инструментов Вильгельм Виприхт и Карл Мориц в ходе экспериментов с серпентами и басовыми офиклеидами создали басовый инструмент и назвали его туба. Из-за неудачных мензурных отношений и конструкции мастера забросили своё изобретение. Но патент на инструмент был получен 12 сентября 1835 года. Это был инструмент в строе in F с пятью вентилями. Как и многие другие духовые инструменты, современным видом туба обязана бельгийскому музыкальному мастеру Антуану Жозефу Саксу, более известному как Адольф Сакс (1814—1894). Спустя несколько лет «немецкая недоделка» попала к нему. Он экспериментально подобрал инструменту нужные мензурные отношения, длину звучащего столба инструмента и добился превосходной звучности. Впервые использована в составе симфонического оркестра на премьере оперы Вагнера «Летучий голландец» двадцатого января 1843 года, с тех пор заняла там прочное место. Опера была написано несколько ранее — в 1841 году. В настоящее время иногда можно встретить тубу и в более ранних партитурах, но это всего лишь поздние переложения или замена тубой её предшественников в оркестре — разнообразных серпентов и басового офиклеида.

Ударные мнструменты Группа музыкальных инструментов, звук из которых извлекается ударом или тряской (покачиванием) [молоточков, колотушки, палочек и т. п.] по звучащему телу (мембране, металлу, дереву и др.). Самое многочисленное семейство среди всех музыкальных инструментов.

Классификация ударных инструментов:

Многообразие разновидностей и форм ударных музыкальных инструментов сформировало несколько вариантов их классификации. Один и тот же инструмент может принадлежать к нескольким группам.
По звуковысотности ударные инструменты делятся на:

Ударные инструменты с определённой высотой звучания, которые могут быть настроены на определённые ноты звукоряда. К таким инструментам относятся литавры, ксилофон, вибрафон, колокольчики и ряд других;

Ударные инструменты с неопределённой высотой звучания, которые не имеют настройки на определённые звуки. Среди этих инструментов — большой и малый барабаны, треугольник, тарелки, бубен, кастаньеты, там-там и другие.
По звукообразованию ударные инструменты делятся на:

Мембранофоны — инструменты, в которых звучащим телом является натянутая мембрана из кожи или пластика. К ним относятся литавры, барабаны, бубен, бонго, дхол, том-томы и др.

Идиофоны — инструменты, в которых звучащим телом является весь инструмент (гонг, там-там), либо состоящие из целиком звучащих тел (треугольник, ксилофон, маримба, вибрафон, колокольчики)
Идиофоны по материалу дополнительно делятся на:

Металлические идиофоны, звучащие элементы которых сделаны из металла — треугольник, вибрафон, колокольчики;

Деревянные идиофоны, звучащие элементы которых сделаны из дерева — деревянная коробочка, темпле-блоки, ксилофон.

Перкуссия:

Ряд ударных инструментов, не входящих в состав классической ударной установки. К ним относятся табла, дарбука, тамбурин, бубен, маракас, ковбелл, колокольчики, шейкеры, конго, бонго, треугольник, трещотка, деревянная коробочка, кастаньеты и десятки других этнических ударных инструментов. Употребляются, в разном наборе, во всех видах музыкальных оркестров и ансамблей. Существуют также и группы (Малайзия, Африка, Индия, Южная Америка, Северные народности), состоящие из исполнителей, играющих только на ударных инструментах. Такие группы, как правило, исполняют ритуальную музыку и сопровождают обрядовые праздники. Распространены в основном в племенах.Также выступают на большой сцене, как ритмическое сопровождение экзотических вокально-танцевальных групп. Так же, вероятно, используется и в переносном смысле (человек-перкуссия),что означает приблизительно то же что и иерихонская труба или человек, привлекающий много внимания.

Фортепиано (рояль) Изобретение фортепиано в начале XVIII столетия стало поворотным моментом в истории европейской культуры. Фортепиано полностью изменило характер музыкальной культуры западной цивилизации. Клавишные инструменты существовали еще в Средние Века. Орган, самый старый из них, - это духовой клавишный инструмент (у него нет струн, а есть множество труб), и он не является непосредственным родственником фортепиано. Первый клавишный инструмент, у которого были струны, - клавикорд. Он появился в позднее Средневековье, хотя никто не знает, когда именно. Клавикорд имел устройство, похожее на устройство современного фортепиано. Однако его звук был слишком мягким и тихим дл того, чтобы на нем можно было играть перед большим количеством людей. Клавикорд, будучи намного меньше по размеру и проще, чем его родственник клавесин, был достаточно популярным инструментом домашнего музицирования, и его наверняка можно было найти в домах композиторов эпохи барокко, включая Баха. Клавикорд имел очень простое устройство. При нажатии на клавишу маленький медный квадратик под названием тангент ударял струну. В то же время поднятый демпфер позволял струне вибрировать. У клавикорда было по одной струне на каждую клавишу, в то время как у современного фортепиано на каждую клавишу бывает до трех струн. Будучи очень тихим инструментом, клавикорд все же позволял делать крещендо и диминуендо. Другой клавишный инструмент - клавесин - скорее всего был изобретен в Италии в XV веке. В данном случае звук извлекается птичьими перышками или кусочками кожи (наподобие медиатора). К тому же струны клавесина расположены параллельно клавишам, как у современного рояля, а не перпендикулярно, как у клавикорда и современного пианино. Звук клавесина - довольно слабый, не очень-то пригодный для исполнения музыки в больших залах. В пьесы для клавесина композиторы вставляли множество мелизмов (украшений) для того, чтобы длинные ноты могли звучать достаточно протяженно. Обычно клавесин использовался для аккомпанемента… …Третий вид струнно-клавишного инструмента, на котором играли в XV, XVI и XVII веках, - это спинет. По сути спинет - это маленький клавесин с одной или двумя клавиатурами размером в четыре октавы. Он как правило был богато декорирован и потому являлся таким же украшением дома, как и красивая мебель. На рубеже XVIII века композиторы и музыканты стали остро ощущать потребность в новом клавишном инструменте, который не уступал бы по выразительности скрипке. Более того, был необходим инструмент с большим динамическим диапазоном, способным на громовое фортиссимо, нежнейшее пианиссимо и тончайшие динамические переходы. Эти мечты стали реальностью, когда в 1709 году итальянец Бартоломео Кристофори, занимавшийся музыкальными инструментами семейства Медичи, изобрел первое фортепиано. Он назвал свое изобретение "gravicembalo col piano e forte", что означает "клавишный инструмент, играющий нежно и громко". Это название затем было сокращено, и появилось слово "фортепиано". Несколько позже подобные инструменты были созданы учителем музыки из Германии Кристофором Готлибом Шретером (1717 г.) и французом Жаном Мариусом (1716 г.). Устройство фортепиано Кристофори было очень простым. Оно состояло из клавиши, войлочного молоточка и специального возвращателя. У такого фортепиано не было ни демпферов, ни педалей. Удар по клавише заставлял молоток ударять по струне, вызывая ее вибрацию, совсем не похожую на вибрацию струн у клавесина или клавикорда. Возвращатель позволял молоточку идти назад, а не оставаться прижатым к струне, что заглушало бы вибрацию струны. Позднее был изобретена двойная репетиция, позволившая молоточку опускатьс наполовину, что очень помогало в исполнении трелей и быстро повторяющихс нот. Самое замечательное в фортепиано - это способность резонировать и динамический диапазон. Деревянный корпус и стальная рама (изобретенная позднее, в XIX веке, рама у фортепиано Кристофори была деревянной) позволяют инструменту достигать почти колокольного звучания на форте. Другое отличие фортепиано от его предшественников - это способность звучать не только тихо и громко, но и делать крещендо и диминуэндо, менять динамику внезапно или постепенно. Когда фортепиано впервые заявило о себе, в Европе царила эпоха рококо (1725-1775) -- период, переходный от барокко к классицизму. В период классицизма фортепиано стало популярным инструментом домашнего музицирования и концертного исполнения. Фортепиано как нельзя более подходило для исполнения появившегося в это время жанра сонаты, ярким образцом которого являются произведения Клементи и Моцарта. Появление фортепиано также вызвало изменение репертуара ансамблей и оркестров. Концерт для фортепиано с оркестром - новый жанр, ставший весьма популярным в период классицизма. Долгое время клавесин был аккомпанирующим инструментом, очень редко выступая в роли солирующего. Динамические возможности позволили фортепиано встать в ряд сольных инструментов, таких, как скрипка и труба, и занять центральное место в концертных залах Европы. Благодаря тому, что фортепиано теперь можно было услышать не только в дворцах знати, круг любителей фортепианной музыки начал расширяться. Все больше и больше людей были готовы платить за то, чтобы услышать того или иного солиста. Это вызывало потребность во все новых и новых произведениях для фортепиано, росло количество композиторов, получавших признание благодаря музыке для фортепиано. На смену классицизму приходит эпоха романтизма, когда в музыке, да и в искусстве в целом, основную роль стало играть выражение эмоций. Это выразилось, в частности, в фортепианном творчестве Бетховена и Шумана, Листа, Шопена. И здесь выразительные возможности фортепиано оказались очень кстати. Произведения для настройка фортепиано в четыре руки стали очень популярными в этот период, когда из фортепиано одновременно извлекали до двадцати звуков, порождая новые краски. В период романтизма фортепиано было популярным инструментом домашнего музицирования. Любители музыки предпочитали именно фортепиано, потому что оно давало возможность исполнять одновременно и мелодию, и гармонию. Рост популярности фортепиано привел к появлению пианистов-виртуозов. Все же необходимо отметить, что, несмотря на падение своей популярности, клавесин не исчез со сцены совсем. Его нежное звучание и сегодня можно услышать на концертах старинной музыки. Композиторы продолжают писать музыку для этого инструмента, клавесины производятся в достаточно больших количествах. Очевидно, что появление фортепиано - казалось бы такое незначительное событие - стало поворотным моментом в истории искусства. Это изобретение изменило характер всей европейской музыки, которая является важной частью всей мировой культуры. За прошедшие триста лет почти все великие композиторы писали вортепианную музыку, и многие из них знамениты именно своими фортепианными произведениями. Сегодня нельзя найти музыканта - будь то певец или композитор, кларнетист или скрипач - у которого в доме не было бы пианино. Несмотря на его молодость, фортепиано оказывает на общество в целом большее воздействие, чем какой-либо другой инструмент, и надо полагать, что его славе еще очень далеко до заката…

Государство и общество